IMAGENS DE MARCEL DUCHAMP!
POSTADO POR THAIS N28 5E
segunda-feira, 9 de novembro de 2009
sábado, 7 de novembro de 2009
Obras de Peter Blake
Self-Portrait with Pins- 1961
Óleo sobre placa
Suporte: 1743 x 1219 mm
pintura
Carolina n3
Obras de Peter Blake
Six French Postcard
Serigrafia sobre papel
Imag
em: 430 x 272
em: 430 x 272no papel, impressão
Carolina n3
Peter Blake- Biografia
Sir Peter Thomas Blake nasceu em Dartford em 1932. Foi um artista pop que é bastante conhecido por ser autor da capa "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band dos Beatles, Também desenvolve carreira na pintura, que incorpora imagem da cultura em massa e colagens. De 1946-1951 foi desenhador técnico na Gravesend School Of Art. De 1953-1956 estudou no Royal College Of Art em Londres. De 1956-1957 interessou-se pela arte popular. Em 1964 começou a ensinar na St. Martins School Of Art em Londres.
De 1969-1979 foi membro da Brotherhood of Ruralists. Em 1981 se tornou membro da Royal Academy de Londres.
Após seu realismo, uniu-se a Hamilton, tornando-se uma das figuras chave da Pop Art da Inglaterra.
Por Carolina Cruz n3
terça-feira, 27 de outubro de 2009
Pinturas de Andy Warhol
Título: 200
Data: 1962
Localização: Leo Castelli Gallery, Nova
Título: Electric Chairs
Data: 1964
Título: Green Coca-Cola Bottles
Data:1962
Localização:
Título: Liz Taylor
Data: 1964
Localização: Museu de arte de Cleveland
Data: 1962
Localização: Leo Castelli Gallery, Nova
Postado por: Carol nº4
segunda-feira, 26 de outubro de 2009
BIOGRAFIA DE MARCEL DUCHAMP
Artista francês, Marcel Duchamp nasceu em Blainville, França, a 28 de julho de 1887, e morreu em Nova York, EUA, em 2 de outubro de 1968. Irmão do pintor Jacques Villon (Gastón Duchamp) e do escultor Raymond Duchamp-Villon. Freqüentou em Paris a Academie Julian, onde pinta quadros impressionistas, segundo ele, "só para ver como eles faziam isso".Em 1911-1912 suas obras "O rei e a rainha cercados de nus" e "Nu descendo uma escada" estão na confluência entre o Cubismo e o Futurismo. São quadros simultaneistas, análises do espaço e do movimento. Mas já se destacam pelos títulos, que Duchamp pretende incorporar ao espaço mental da obra. Entre 1913-1915 elabora os "ready-made", isto é, objetos encontrados já prontos, às vezes acrescentando detalhes, outras vezes atribuindo-lhes títulos arbitrários. O caso mais célebre é o de "Fonte", urinol de louça enviado a uma exposição em Nova York e recusado pelo comitê de seleção. Os títulos são sugestivos ou irônicos, como "Um ruído secreto" ou "Farmácia". Detalhe acrescentado em um "ready-made" célebre: uma reprodução da Gioconda, de Leonardo da Vinci, com barbicha e bigodes. Segundo o crítico e historiador de arte Giulio Carlo Argan, os "'ready-mades' podem ser lidos como gesto gratuito, como ato de protesto dessacralizante contra o conceito 'sacro' da 'obra de arte', mas também como vontade de aceitar na esfera da arte qualquer objeto 'finito', desde que seja designado como 'arte' pelo artista".Esses "ready-mades" escondem, na verdade, uma crítica agressiva contra a noção comum de obra de arte. Com os títulos literários, Duchamp rebelou-se contra a "arte da retina", cujos significados eram só, segundo ele, impressões visuais. Duchamp declarou preferir ser influenciado pelos escritores (Mallarmé, Laforgue, Raymond Roussel) - e não pretendia criar objetos belos ou interessantes. A crítica da obra de arte se estendia à antítese bom gosto-mau gosto.Entre 1915 e 1923 o artista dedicou-se à sua obra principal, "O grande vidro", pintura a óleo sobre uma placa de vidro duplo dividido em duas seções. A parte superior chamou de "A noiva desnudada pelos seus celibatários, mesmo"; e a inferior, "Moinho de chocolate". Toda a obra é um pseudomaquinismo: a "noiva" é um aparato mecânico, assim como os "celibatários". Contendo vários níveis de significação, várias hipóteses foram formuladas pela crítica para descobrir o sentido de sua complicada mitologia. Para Giulio Carlo Argan, "O grande vidro" foi desenvolvido "em torno de significados erótico-místicos, joga com a transparência do espaço, com o significado alquímico e simbólico, com o conceito de 'andrógino', inato em todos os indivíduos".
POSTADO POR THAIS N28 5E
Artista francês, Marcel Duchamp nasceu em Blainville, França, a 28 de julho de 1887, e morreu em Nova York, EUA, em 2 de outubro de 1968. Irmão do pintor Jacques Villon (Gastón Duchamp) e do escultor Raymond Duchamp-Villon. Freqüentou em Paris a Academie Julian, onde pinta quadros impressionistas, segundo ele, "só para ver como eles faziam isso".Em 1911-1912 suas obras "O rei e a rainha cercados de nus" e "Nu descendo uma escada" estão na confluência entre o Cubismo e o Futurismo. São quadros simultaneistas, análises do espaço e do movimento. Mas já se destacam pelos títulos, que Duchamp pretende incorporar ao espaço mental da obra. Entre 1913-1915 elabora os "ready-made", isto é, objetos encontrados já prontos, às vezes acrescentando detalhes, outras vezes atribuindo-lhes títulos arbitrários. O caso mais célebre é o de "Fonte", urinol de louça enviado a uma exposição em Nova York e recusado pelo comitê de seleção. Os títulos são sugestivos ou irônicos, como "Um ruído secreto" ou "Farmácia". Detalhe acrescentado em um "ready-made" célebre: uma reprodução da Gioconda, de Leonardo da Vinci, com barbicha e bigodes. Segundo o crítico e historiador de arte Giulio Carlo Argan, os "'ready-mades' podem ser lidos como gesto gratuito, como ato de protesto dessacralizante contra o conceito 'sacro' da 'obra de arte', mas também como vontade de aceitar na esfera da arte qualquer objeto 'finito', desde que seja designado como 'arte' pelo artista".Esses "ready-mades" escondem, na verdade, uma crítica agressiva contra a noção comum de obra de arte. Com os títulos literários, Duchamp rebelou-se contra a "arte da retina", cujos significados eram só, segundo ele, impressões visuais. Duchamp declarou preferir ser influenciado pelos escritores (Mallarmé, Laforgue, Raymond Roussel) - e não pretendia criar objetos belos ou interessantes. A crítica da obra de arte se estendia à antítese bom gosto-mau gosto.Entre 1915 e 1923 o artista dedicou-se à sua obra principal, "O grande vidro", pintura a óleo sobre uma placa de vidro duplo dividido em duas seções. A parte superior chamou de "A noiva desnudada pelos seus celibatários, mesmo"; e a inferior, "Moinho de chocolate". Toda a obra é um pseudomaquinismo: a "noiva" é um aparato mecânico, assim como os "celibatários". Contendo vários níveis de significação, várias hipóteses foram formuladas pela crítica para descobrir o sentido de sua complicada mitologia. Para Giulio Carlo Argan, "O grande vidro" foi desenvolvido "em torno de significados erótico-místicos, joga com a transparência do espaço, com o significado alquímico e simbólico, com o conceito de 'andrógino', inato em todos os indivíduos".
POSTADO POR THAIS N28 5E
Ready made de MARCEL DUCHAMP
Duchamp foi o responsável pelo conceito de ready made, que é o transporte de um elemento da vida cotidiana, a priori não reconhecido como artístico, para o campo das artes. A princípio como uma brincadeira entre seus amigos, entre os quais Francis Picabia e Henri-Pierre Roché, Duchamp passou a incorporar material de uso comum nas suas esculturas. Em vez de trabalhá-los artisticamente, ele simplesmente os considerava prontos e os exibia como obras de arte.
Marcel Duchamp, A fonte
A Fonte, obra que fez repercutir o nome de Duchamp ao redor do mundo - especialmente depois de sua morte -, está baseada nesse conceito de ready made: pensada inicialmente por Duchamp (que, para esconder o seu nome, enviou-a com a assinatura "R. Mutt", que se lê ao lado da peça) para figurar entre as obras a serem julgadas para um concurso de arte promovido nos EstadosUnidos, a escultura foi rejeitada pelo júri, uma vez que, na avaliação deste, não havia nela nenhum sinal de labor artístico. Com efeito, trata-se de um urinol comum, branco e esmaltado, comprado numa loja de construção e assim mesmo enviado ao júri; entretanto, a despeito do gesto iconoclasta de Duchamp, há quem veja nas formas do urinol uma semelhança com as formas femininas, de modo que se pode ensaiar uma explicação psicanalítica, quando se tem em mente o membro masculino lançando urina sobre a forma feminina.
POSTADO POR THAIS N28 5E
Duchamp foi o responsável pelo conceito de ready made, que é o transporte de um elemento da vida cotidiana, a priori não reconhecido como artístico, para o campo das artes. A princípio como uma brincadeira entre seus amigos, entre os quais Francis Picabia e Henri-Pierre Roché, Duchamp passou a incorporar material de uso comum nas suas esculturas. Em vez de trabalhá-los artisticamente, ele simplesmente os considerava prontos e os exibia como obras de arte.
Marcel Duchamp, A fonte
A Fonte, obra que fez repercutir o nome de Duchamp ao redor do mundo - especialmente depois de sua morte -, está baseada nesse conceito de ready made: pensada inicialmente por Duchamp (que, para esconder o seu nome, enviou-a com a assinatura "R. Mutt", que se lê ao lado da peça) para figurar entre as obras a serem julgadas para um concurso de arte promovido nos EstadosUnidos, a escultura foi rejeitada pelo júri, uma vez que, na avaliação deste, não havia nela nenhum sinal de labor artístico. Com efeito, trata-se de um urinol comum, branco e esmaltado, comprado numa loja de construção e assim mesmo enviado ao júri; entretanto, a despeito do gesto iconoclasta de Duchamp, há quem veja nas formas do urinol uma semelhança com as formas femininas, de modo que se pode ensaiar uma explicação psicanalítica, quando se tem em mente o membro masculino lançando urina sobre a forma feminina.
POSTADO POR THAIS N28 5E
CARREIRA E VIDA DE MARCEL DUCHAMP
É um dos precursores da arte conceitual e introduziu a idéia de ready made como objeto de arte. Irmão de Jacques Villon, de Suzanne Duchamp e Raymond Duchamp-Villon, estes também artistas que gozaram de reputação no cenário artístico europeu, Marcel Duchamp começou sua carreira como artista criando pinturas de inspiração impressionista, expressionista e cubista. Dessa fase, destaca-se o quadro Nu descendo a escada, que apresenta uma sobreposição de figuras de aspecto vagamente humano numa linha descendente, da esquerda para a direita, sugerindo a idéia de um movimento contínuo. Esse quadro, na época de sua gênese, foi mal recebido pelos partidários do Cubismo, que o julgaram profundamente irônico para com a proposta artística por eles pretendida.
Essa fase lhe rendeu, ainda, o quadro Rei e rainha rodeados por rápidos nus, que sugere um rápido movimento através de duas figuras humanas, e A noiva, que apresenta formas geométricas bastante delineadas e sobrepostas, insinuando uma figura de proporções humanas. Este último foi bastante utilizado no seu projeto mais ambicioso, de que trataremos a seguir.
Sua carreira como pintor estendeu-se por mais alguns anos, tendo como produto quadros de inegável valor para a formação da pintura abstrata. É, no entanto, como escultor que Duchamp vai atingir grande fama. Tendo se mudado para Nova York e largado a Europa numa espécie de estagnação criativa, Duchamp encontra na América um solo fértil para sua arte dadaísta. Decorrente dessa fase, e em virtude de seus estudos sobre perspectiva e movimento, nasce o projeto para a obra mais complexa do artista: A noiva despida pelos seus celibatários, mesmo ou O grande vidro.
Trata-se de duas lâminas de vidro, uma sobre a outra, onde se vê uma figura abstrata na parte de cima, que seria a noiva, inspirada no quadro acima mencionado, e, na parte de baixo, se percebe uma porção de outras figuras (feitas de cabides, tecido e outros materiais), dispostas em círculo, ao lado de uma engrenagem (retirada de um moinho de café). Essa obra consumiu anos inteiros de dedicação de Duchamp, e só veio a público muito depois do início de sua construção, intercalada, portanto, por uma série de obras. Não se tem um consenso acerca do que representa essa obra, mas diversas opiniões conflitantes, com base em psicologismos e biografismos, renderam e ainda rendem bastante discussão.
POSTADO POR THAIS N28 5E
É um dos precursores da arte conceitual e introduziu a idéia de ready made como objeto de arte. Irmão de Jacques Villon, de Suzanne Duchamp e Raymond Duchamp-Villon, estes também artistas que gozaram de reputação no cenário artístico europeu, Marcel Duchamp começou sua carreira como artista criando pinturas de inspiração impressionista, expressionista e cubista. Dessa fase, destaca-se o quadro Nu descendo a escada, que apresenta uma sobreposição de figuras de aspecto vagamente humano numa linha descendente, da esquerda para a direita, sugerindo a idéia de um movimento contínuo. Esse quadro, na época de sua gênese, foi mal recebido pelos partidários do Cubismo, que o julgaram profundamente irônico para com a proposta artística por eles pretendida.
Essa fase lhe rendeu, ainda, o quadro Rei e rainha rodeados por rápidos nus, que sugere um rápido movimento através de duas figuras humanas, e A noiva, que apresenta formas geométricas bastante delineadas e sobrepostas, insinuando uma figura de proporções humanas. Este último foi bastante utilizado no seu projeto mais ambicioso, de que trataremos a seguir.
Sua carreira como pintor estendeu-se por mais alguns anos, tendo como produto quadros de inegável valor para a formação da pintura abstrata. É, no entanto, como escultor que Duchamp vai atingir grande fama. Tendo se mudado para Nova York e largado a Europa numa espécie de estagnação criativa, Duchamp encontra na América um solo fértil para sua arte dadaísta. Decorrente dessa fase, e em virtude de seus estudos sobre perspectiva e movimento, nasce o projeto para a obra mais complexa do artista: A noiva despida pelos seus celibatários, mesmo ou O grande vidro.
Trata-se de duas lâminas de vidro, uma sobre a outra, onde se vê uma figura abstrata na parte de cima, que seria a noiva, inspirada no quadro acima mencionado, e, na parte de baixo, se percebe uma porção de outras figuras (feitas de cabides, tecido e outros materiais), dispostas em círculo, ao lado de uma engrenagem (retirada de um moinho de café). Essa obra consumiu anos inteiros de dedicação de Duchamp, e só veio a público muito depois do início de sua construção, intercalada, portanto, por uma série de obras. Não se tem um consenso acerca do que representa essa obra, mas diversas opiniões conflitantes, com base em psicologismos e biografismos, renderam e ainda rendem bastante discussão.
POSTADO POR THAIS N28 5E
MARCEL DUCHAMP
Marcel Duchamp é, antes de tudo, um iconoclasta. Durante todo o tempo dedicou-se a destruir conceitos e a negar o estabelecido, às vezes com ações espalhafatosas. Tendo iniciado a sua carreira de artista como pintor, aos poucos se transformou em um renovador da arte, no criador de novas formas de pensar. Por isso, foi muitas vezes considerado um excêntrico meio amalucado. Grosseiro engano: o homem foi um gênio e um inovador. Quando tirava uma peça de seu ambiente natural - como fez com uma roda de bicicleta e um banquinho de madeira ou até com uma louça de sanitário masculino - e dava aos objetos a envergadura de um objeto de arte, o que desejava era instigar o pensamento, provocar um raciocínio, destruir a quietude das coisas aceitas e estabelecidas. O que desejava dizer com isso? Não desejava, decerto, estabelecer novas verdades e conceitos; desejava exatamente questionar a validade dos conceitos e colocar a possibilidade de haver arte em qualquer objeto, desde que assim seja considerado. ...Difícil estabelecer um limite a partir do qual chega-se ao exagero, até porque parece haver a aceitação do exagero. O fato é que Duchamp contribuiu para o infindável debate entre o que é e o que não é arte. Quando pintou bigodes na Monalisa, de da Vinci, como faria qualquer moleque pichador de paredes, colocava nitidamente o seu desprezo pela arte clássica. Colocar a Monalisa e um urinol no mesmo patamar é uma provocação, e independente da razoabilidade dessa idéia o objetivo é atingido: provocar! Marcel Duchamp foi um provocador.
POSTADO POR THAIS N28 5E
Marcel Duchamp é, antes de tudo, um iconoclasta. Durante todo o tempo dedicou-se a destruir conceitos e a negar o estabelecido, às vezes com ações espalhafatosas. Tendo iniciado a sua carreira de artista como pintor, aos poucos se transformou em um renovador da arte, no criador de novas formas de pensar. Por isso, foi muitas vezes considerado um excêntrico meio amalucado. Grosseiro engano: o homem foi um gênio e um inovador. Quando tirava uma peça de seu ambiente natural - como fez com uma roda de bicicleta e um banquinho de madeira ou até com uma louça de sanitário masculino - e dava aos objetos a envergadura de um objeto de arte, o que desejava era instigar o pensamento, provocar um raciocínio, destruir a quietude das coisas aceitas e estabelecidas. O que desejava dizer com isso? Não desejava, decerto, estabelecer novas verdades e conceitos; desejava exatamente questionar a validade dos conceitos e colocar a possibilidade de haver arte em qualquer objeto, desde que assim seja considerado. ...Difícil estabelecer um limite a partir do qual chega-se ao exagero, até porque parece haver a aceitação do exagero. O fato é que Duchamp contribuiu para o infindável debate entre o que é e o que não é arte. Quando pintou bigodes na Monalisa, de da Vinci, como faria qualquer moleque pichador de paredes, colocava nitidamente o seu desprezo pela arte clássica. Colocar a Monalisa e um urinol no mesmo patamar é uma provocação, e independente da razoabilidade dessa idéia o objetivo é atingido: provocar! Marcel Duchamp foi um provocador.
POSTADO POR THAIS N28 5E
domingo, 18 de outubro de 2009
Mais imagens de Wayne Thiebaud
Paisagens...
sobre assuntos variados...
e de volta a comida....
postado por Laura 16
sobre assuntos variados...
e de volta a comida....
postado por Laura 16
Imagens de Wayne Thiebaud
Wayne Thiebaud
Wayne Thiebaud (nascido em 23 de novembro de 1920) é um pintor dos Estados Unidos. Seu estilo realista e o tema do cotidiano estão associados à Pop art, pois ele celebra o banal com uma mistura de familiaridade e desinteresse emocional. As cores azul, púrpura e verde são típicas do seu estilo e resultam da luz artificial e da radiante luz do sol da Califórnia onde vive e trabalha. Pintando normalmente o seu tema de memória, Thiebaud cria obras que têm um conteúdo nostálgico e frequentemente um tom humorístico. O seu estilo acessível tem um sentimento particularmente urbano e americano. Antigo pintor de letreiros e cartonista, Thiebaud também tem pintado imagens espirituosas de bolos, máquinas de pin-ball e cachorros quentes, executados com cores luminosas.
postado por Laura 16
postado por Laura 16
sexta-feira, 2 de outubro de 2009
Pop Art
O Pop art surgiu como uma rebelião aos estilos convencionais de arte, trazendo de volta as realidades do dia a dia e a cultura popular. Essa nova modalidade de manifestação artística surgiu na Inglaterra, porém teve seu plano de desenvolvimento em Nova York, EUA, nos anos 60. O pop art começou a tomar forma quando alguns artistas, depois de estudar símbolos e marcas da propaganda, começaram a transformar isso em arte. O objetivo principal dos artistas do pop art era criticar a sociedade por causa do consumismo.
O épico foi sendo transformado pelo cotidiano, eram usados quadrinhos, ilustrações e anúncios publicitários, além de tinta acrílica, poliéster, látex, etc, como materiais artísticos. Entre os principais artistas do Pop Art, destacam-se Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein e Andy Warhol.
Postado por: Carol nº4
O épico foi sendo transformado pelo cotidiano, eram usados quadrinhos, ilustrações e anúncios publicitários, além de tinta acrílica, poliéster, látex, etc, como materiais artísticos. Entre os principais artistas do Pop Art, destacam-se Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein e Andy Warhol.
Postado por: Carol nº4
Andy Warhol
Registrado como Andrew Warhola, era filho de pais originários da Eslováquia que migraram para os Estados Unidos durante a Primeira Grande Guerra.
Aos 17 anos, em 1945, entrou no Instituto de Tecnologia de Carnegie, em Pittsburgh, hoje Universidade Carnegie Mellon e se graduou em design.
Logo após mudou para Nova York e começou a trabalhar como ilustrador de importantes revistas, como Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, além de fazer anúncios publicitários e displays para vitrines de lojas. Começa aí uma carreira de sucesso como artista gráfico ganhando diversos prêmios como diretor de arte do Art Director's Club e do The American Institute of Graphic Arts.
Fez a sua primeira mostra individual em 1952, na Hugo Galley onde exibe quinze desenhos baseados na obra de Truman Capote. Esta série de trabalhos é mostrada em diversos lugares durante os anos 50, incluindo o MOMA, Museu de Arte Moderna, em 1956. Passa a assinar Warhol.
O anos 1960 marcam uma guinada na sua carreira de artista plástico e passa a se utilizar dos motivos e conceitos da publicidade em suas obras, com o uso de cores fortes e brilhantes e tintas acrílicas. Reinventa a pop art com a reprodução mecânica e seus múltiplos serigráficos são temas do cotidiano e artigos de consumo, como as reproduções das latas de sopas Campbell e a garrafa de Coca-Cola, além de rostos de figuras conhecidas como Marilyn Monroe, Liz Taylor, Elvis Presley, Che Guevara e símbolos irônicos da história da arte, como Mona Lisa. Estes temas eram reproduzidos serialmente com variações de cores.
Além das serigrafias Warhol também se utilizava de outras técnicas, como a colagem e o uso de materiais descartáveis, não usuais em obras de arte.
Em 1968, Valerie Solanis, fundadora e única membro da SCUM (Society for Cutting Up Men - Sociedade para castrar homens) invade o estúdio de Warhol e o fere com um tiro, mas o ataque não é fatal e Warhol se recupera, depois de se submeter a uma cirurgia que durou cinco horas. Este fato é tema do filme I shot Andy Warhol (Eu atirei
Andy Warhol (aqui fotografado em 1977)
foi uma das figuras centrais da Pop Art
nos E.U.A.
06/08/1928 - Pittsburgh, Pensilvânia, Estados Unidos
22/02/1987 - Nova York, Estados Unidos
Postado Por Carolina Mulet e Souza nº4
domingo, 30 de agosto de 2009
Eliseu Visconti
Nacido na região da Câmpania, veio com a família para o Brasil entre 1873 e 1875.
A família instalou-se no Rio de Janeiro , onde estudou no Liceu de Artes e Ofícios (1883)
e na academia Imperial de Belas Artes(1885).Foi discípulo de Zeferino da Costa, Rodolfo Amoedo, Henrique Bernardelli, José Maria de Medeiros e Victor Meirelles.
Mamoneiras-Morro de São Bento - OST-62x88- Coleção Particular
Carolina Cruz n3 5E
Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec Monfa
Nascido em 24 de Novembro de 1864 e morto em 09 e Setembro de 1901.Foi um pintor
pós-imprressionista.Conhecido por pintar a vida boêmia de Paris do final do século XIX,
ele mesmo um boêmio que faleceu precocemente aos 36 anos de sífilis(doença sexualmente transmitida )e alcoolismo.Trabalhou por menos de 20 anos mas deixou um legado artístico importantíssimo,tanto no que se refere à qualidade e quantidade de suas obras,como também no que se refere a popularização e comercialização da arte.Toulouse-Lautrec revolucionou o desig
gráfico dos cartazes publicitários , ajudando a definir o estilo que seria posteriormente conhecido como Art Nouveau
pós-imprressionista.Conhecido por pintar a vida boêmia de Paris do final do século XIX,
ele mesmo um boêmio que faleceu precocemente aos 36 anos de sífilis(doença sexualmente transmitida )e alcoolismo.Trabalhou por menos de 20 anos mas deixou um legado artístico importantíssimo,tanto no que se refere à qualidade e quantidade de suas obras,como também no que se refere a popularização e comercialização da arte.Toulouse-Lautrec revolucionou o desig
gráfico dos cartazes publicitários , ajudando a definir o estilo que seria posteriormente conhecido como Art Nouveau
- Título-Condessa Adèle de Toulouse-Lautrec,no desjejum
- Autor- Henri Toulouse-Lautrec
- Data- ~1881~1883
- Material-Óleo sobre tela
- Dimensões-93.5 x 81 cm(36.81 x 31.88 in)
quinta-feira, 27 de agosto de 2009
GIGANTE BRADLEY DIA
Um festival anual é organizada em memória de William Bradley em sua cidade natal de Mercado Weighton. The event has been held annually in May since 1996 and is attended by hundreds of people in the town. O evento tem sido realizado anualmente em maio desde 1996 e é frequentado por centenas de pessoas na cidade. É um evento família-orientado com jogos, passeios de diversões, barracas, e outras atrações, incluindo o famoso "Weighton Lash". Christopher Greener que foi o mais alto de vida europeu por um período de tempo tem participado nas celebrações no passado.
POSTADO POR THAIS N28 5E
Um festival anual é organizada em memória de William Bradley em sua cidade natal de Mercado Weighton. The event has been held annually in May since 1996 and is attended by hundreds of people in the town. O evento tem sido realizado anualmente em maio desde 1996 e é frequentado por centenas de pessoas na cidade. É um evento família-orientado com jogos, passeios de diversões, barracas, e outras atrações, incluindo o famoso "Weighton Lash". Christopher Greener que foi o mais alto de vida europeu por um período de tempo tem participado nas celebrações no passado.
POSTADO POR THAIS N28 5E
BIOGRAFIA
Nascido no Mercado Weighton no East Riding of Yorkshire, William foi o quarto filho de uma família de treze anos e pesava 14 quilos ao nascer. Seu pai, um mestre alfaiate medido 5 pés 9 polegadas, enquanto seus irmãos e sua mãe Anne foram de tamanho médio, apesar de uma irmã que morreu em um acidente aos 16 anos era alto.
Ele disse que era para ter sido provocado na escola por causa de sua altura, embora muitos alunos tinham medo dele. professores da escola disseram ter punido misbehaving estudantes fazendo Bradley para levantá-los na cruz alta, vigas, até que o professor decidiu tê-los feito exame para baixo de novo. Depois de sair da escola, ele trabalhou em uma fazenda perto da cidade de Pocklington, ganhando menos de 50 p uma semana.
postado por thais n28 5e
Nascido no Mercado Weighton no East Riding of Yorkshire, William foi o quarto filho de uma família de treze anos e pesava 14 quilos ao nascer. Seu pai, um mestre alfaiate medido 5 pés 9 polegadas, enquanto seus irmãos e sua mãe Anne foram de tamanho médio, apesar de uma irmã que morreu em um acidente aos 16 anos era alto.
Ele disse que era para ter sido provocado na escola por causa de sua altura, embora muitos alunos tinham medo dele. professores da escola disseram ter punido misbehaving estudantes fazendo Bradley para levantá-los na cruz alta, vigas, até que o professor decidiu tê-los feito exame para baixo de novo. Depois de sair da escola, ele trabalhou em uma fazenda perto da cidade de Pocklington, ganhando menos de 50 p uma semana.
postado por thais n28 5e
WILLIAM BRADLEY
William Bradley (10 fevereiro 1787 - 30 maio 1820 )mais comumente conhecido como Gigante Bradley ou do Gigante Yorkshire é o mais alto registrado homem britânico que já viveu, medindo 7 metros de 9 polegadas.
Bradley was 5mm taller than Bao Xishun , who was recognized as world's tallest living man by Guinness World Records between 2005 and 2007. Bradley foi 5 milímetros mais alto do que Bao Xishun, que foi reconhecido como o homem vivo mais alto do mundo pelo Guinness Word records de 2005 de 2007.
POSTADO POR THAIS N28 5E
William Bradley (10 fevereiro 1787 - 30 maio 1820 )mais comumente conhecido como Gigante Bradley ou do Gigante Yorkshire é o mais alto registrado homem britânico que já viveu, medindo 7 metros de 9 polegadas.
Bradley was 5mm taller than Bao Xishun , who was recognized as world's tallest living man by Guinness World Records between 2005 and 2007. Bradley foi 5 milímetros mais alto do que Bao Xishun, que foi reconhecido como o homem vivo mais alto do mundo pelo Guinness Word records de 2005 de 2007.
POSTADO POR THAIS N28 5E
quarta-feira, 26 de agosto de 2009
Carlo Bugatti
Uma vez que um renascimento do interesse em seu trabalho começou na década de 1960, Carlo Bugatti passou a ocupar uma posição de importância considerável na história do projeto europeu. Ele é o único italiano da sua geração que rompeu com o historicismo predominante do século XIX e procurou criar objetos que não diretamente imitar estilos do passado europeu, que ele chamou, em vez de fontes mais exóticas. Bugatti desenvolveu um extenso repertório de formas móveis, e, desde fabricantes de móveis artesanais de produção italiano utilizou técnicas de luta ao longo do século XIX, ele era capaz de experimentar com uma variedade de formas e técnicas. Depois de estabelecer uma fórmula básica para um design de mobiliário, ele sistematicamente variadas, com pequenas alterações em elementos funcionais ou padrões de superfície, criando uma série de peças relacionadas. Como resultado, ele parece ter produzido mais projetos diferentes do que qualquer de seus estilos contemporâneos.
postado por Laura n16
postado por Laura n16
domingo, 23 de agosto de 2009
Eugène Gaillard
Eugéne se tornou um escultor, artesão e designer mobiliário e, nesta última capacidade. Ele foi realmente um líder de art nouveau. Interiores, mobiliários e têxteis Gaillard, também foram comercializados por Siegfried Bing através do seu Maison Art Nouveau. Na Exposição Paris 1900, a arte tinha o seu próprio pavilhão revendedor ", Art Nouveau Bing", com seis salas modelo, cada um dos quais simula um ambiente residencial. Todos os objetos mostrados, incluindo mobiliário, têxteis e objetos artesanais, foram concebidos por três artistas: Edward Colonna, Georges de Feure e Eugène Gaillard. Bing foi o primeiro a aplicar o princípio de "criar um ambiente" para a sua exposição, um desenvolvimento que corresponde a tendência para o total da obra de arte. O natural e animada inter-relação das coisas devia ser claramente reconhecível e cada objeto era para ser apresentado no local a que se destina a ser utilizado. Até 1914 Eugène Gaillard requintadamente concebida elegante mobiliário em estilo Art Nouveau. Sua abordagem para a concepção e motivos florais revela inspiração ainda não foi destinado para imitar a Natureza, como ele explicou em 1906 um ensaio intitulado "À propos du Mobilier". Em 1901 Eugène Gaillard foi co-fundador da Société des Artistes Décorateurs, expondo seus projetos em seu Salão mostra.
postado por Laura n16
postado por Laura n16
quinta-feira, 6 de agosto de 2009
Gustav Klimt
Klimt nasceu em 14 de julho de 1862 em Baumgarten,nas redondezas deViena.É o segundo filho de um humilde ourives de família numerosa.Aos 14 anos, ingressa na nova Academia de Artes Aplicadas de Viena, onde logo se destaca.Graças a sua excelente aptidão para o desnho, os professores lhe encomendam trabalhos.Em 1892 as mortes repentinas de seu pai e seu irmão o abalam.Gustav se encarrega de sua família e da de seu irmão.Após a morte de irmão , sua relação com Emilie Flöge se intenstifica.Sua pintura abandona o estilo historicista e evolui para o simbolismo.A Companhia de Artistas se desfaz, mas Klimt colabora com Matsch em uma encomenda para uma Universidade de Viena.
O período Dourado
A introdução de folhas de ouro e prata em sua pintura dá início a sueu período dourado, quando faz suas obras mais:O beijo,Danae e Retrado de AdeleBloch Bauer I, entre outras.
nome: O beijo
Óleo e folha de ouro e prata sobre a tela
Tamanho:180 x 180 cm
Museu onde a tela está localizada:
österreichischeGalerie Belvedere
Viena(Áustria)
Gustav Klimt morreu em 6 de fevereiro de 1918, vitíma de pneumonia, deixando diversas telas inacabadas.
Carolina Mulet e Souza nº4
O período Dourado
A introdução de folhas de ouro e prata em sua pintura dá início a sueu período dourado, quando faz suas obras mais:O beijo,Danae e Retrado de AdeleBloch Bauer I, entre outras.
nome: O beijo
Óleo e folha de ouro e prata sobre a tela
Tamanho:180 x 180 cm
Museu onde a tela está localizada:
österreichischeGalerie Belvedere
Viena(Áustria)
Gustav Klimt morreu em 6 de fevereiro de 1918, vitíma de pneumonia, deixando diversas telas inacabadas.
Carolina Mulet e Souza nº4
quarta-feira, 5 de agosto de 2009
BIOGRAFIA DE PIERRE BONNARD!
Teve um ateliê com os pintores Denis e Vuillar, onde recebia seu amigo Toulouse-Lautrec. A primeira apresentação de sua obra ocorreu em 1893, no Salão dos Independentes, e a segunda, meses depois, na galeria de Durand-Ruel. A essa altura também trabalhava como ilustrador para a revista La Revue Blanche. O galerista Vuillard organizou uma exposição com suas melhores litografias, muitas das quais mostravam a influência do simbolista Redon. A partir de 1907 realizou uma longa viagem pela Europa. Estabelece-se em Saint-Germain-en-Laye durante a Primeira Guerra Mundial. Em 1924 fez sua primeira grande retrospectiva. Ganhou duas vezes o prêmio Carnegie.
Em 1925 casou-se com Marie Boursin, conhecida por Marthe, que viria a servir de modelo em algumas das suas obras.
Junto com Gauguin, Bonnard foi sem dúvida um dos pintores mais interessantes do grupo dos Nabis. A sua pintura de interiores, de cores claras e luminosas, reflete a capacidade de captar os pequenos detalhes, sob um efeito emocional. Os objetos parecem se formar pela solidificação do ar. Os nus de Bonnard nada mais são do que experimentações, nas quais o pintor tenta pesquisar a variação das cores sob a luz. O resultado é uma obra de tranqüila intimidade.
Resumido num aforismo, poderíamos dizer que "À Bonnard, le bonheur".
postado por Thais n28 5e
QUEM ERA PIERRE BONNARD...
Pierre Bonnard nasceu em Fontenay-aux-Roses, na França, em 1867, e morreu naquele país em 1947. Foi um dos marcos da pintura francesa dos séculos XIX e XX.
Filho de um chefe de negócios de Ministerio da guerra e com dois irmãos, Bonnard deveria formar-se em Direito, pela Sorbonne, para cumprir o desejo de seu pai. No entanto, depois de dois anos em Paris,inscreveu-se na Academia das Belas Artes e na Academia Julian, começando aí a sua carreira artística. Na academia formou-se um grupo de artistas do qual fazia parte Bonnard assim como Paul Serrusier, Maurice Denis, Henri-Gabriel Ibels, Paul Ranson,KerXavier,Rousele Eduard Vuliard. Esse grupo ficou conhecido por Grupo Nabis, ou Les Nabis. Bonnard que um dia, na escola das Belas Artes, viu uma exposição de arte japonesa, ficou tão impressionado com as obras aí apresentadas que passou a ser chamado pelos seus companheiros de o nabi japones.
postado por thais n28 5e
Pierre Bonnard nasceu em Fontenay-aux-Roses, na França, em 1867, e morreu naquele país em 1947. Foi um dos marcos da pintura francesa dos séculos XIX e XX.
Filho de um chefe de negócios de Ministerio da guerra e com dois irmãos, Bonnard deveria formar-se em Direito, pela Sorbonne, para cumprir o desejo de seu pai. No entanto, depois de dois anos em Paris,inscreveu-se na Academia das Belas Artes e na Academia Julian, começando aí a sua carreira artística. Na academia formou-se um grupo de artistas do qual fazia parte Bonnard assim como Paul Serrusier, Maurice Denis, Henri-Gabriel Ibels, Paul Ranson,KerXavier,Rousele Eduard Vuliard. Esse grupo ficou conhecido por Grupo Nabis, ou Les Nabis. Bonnard que um dia, na escola das Belas Artes, viu uma exposição de arte japonesa, ficou tão impressionado com as obras aí apresentadas que passou a ser chamado pelos seus companheiros de o nabi japones.
postado por thais n28 5e
Edvard Munch
Edvard Munch nasceu em doze de dezembro de 1863 em Loten na Noruega. Em 1868 enfrentou a morte de sua querida mãe e em seguida, a morte de sua irmã Sophie, em 1877.Em 1889 Munch recebe uma bolsa de estudo e muda-se para Paris, onde estuda com Léon Bonnat. Em 1891, inicia os esboço para a obro Friso da vida. Intasla-se em Berlim e faz sua primeira exposição indivadual. Em 1893, p
inta O grito(uma das suas principais obras) e Madona.
nome: O grito
Óleo, têmpera e pastel sobre a tela
Tamanho: 91 x 73,5 cm
Museu onde a obra está localizada:
Nasjonalgalleriet,Oslo(Noruega)
Em 1889 seu pai morre enquato o artista se encontra em Parise não pode ir ao funeral.No ano de 1902, exibe os 22 quadors que compõem Friso da vida.No mesmo ano perde um dedo da mão esquerda por um disparo acidental, durante discussãoem que rompe definitavamente com Tulla Larsen. As viagens que ele fazia para o extirior são cada vez mais escassas. Isola-se em seu trabalho.Em 1918 escreve um texto sobre Friso da vida,coincidindo com uma retrospectiva em Oslo. No ano de 1930 sofre um doença ocular. No ano 1937 o exercito nazista apreende milhares de obras por considerá- las "degeneradas". Dentre elas, 92 obras de Munch. Depois a invasão alemã, os nazista pretendem se fazer populares com uma exposição de Munch, que o pintor não autiriza. Edvard faleceu em Ekely em janeiro de 1944, aqntes da libertação da Noruega na 1ª guerra mundial.
Carolina Mulet e Souza nº4
inta O grito(uma das suas principais obras) e Madona.nome: O grito
Óleo, têmpera e pastel sobre a tela
Tamanho: 91 x 73,5 cm
Museu onde a obra está localizada:
Nasjonalgalleriet,Oslo(Noruega)
Em 1889 seu pai morre enquato o artista se encontra em Parise não pode ir ao funeral.No ano de 1902, exibe os 22 quadors que compõem Friso da vida.No mesmo ano perde um dedo da mão esquerda por um disparo acidental, durante discussãoem que rompe definitavamente com Tulla Larsen. As viagens que ele fazia para o extirior são cada vez mais escassas. Isola-se em seu trabalho.Em 1918 escreve um texto sobre Friso da vida,coincidindo com uma retrospectiva em Oslo. No ano de 1930 sofre um doença ocular. No ano 1937 o exercito nazista apreende milhares de obras por considerá- las "degeneradas". Dentre elas, 92 obras de Munch. Depois a invasão alemã, os nazista pretendem se fazer populares com uma exposição de Munch, que o pintor não autiriza. Edvard faleceu em Ekely em janeiro de 1944, aqntes da libertação da Noruega na 1ª guerra mundial.
Carolina Mulet e Souza nº4
Art nouveau
A Art nouveau, foi um estilo estético essencialmente de design e arquitetura que também influenciou o mundo das artes plásticas. Era relacionado com o movimento arts & crafts e que teve grande destaque durante a Belle époque, nas últimas décadas do século XIX e primeiras décadas do século XX. Relaciona-se especialmente com a 2ª Revolução Industrial em curso na Europa com a exploração de novos materiais (como o ferro e o vidro, principais elementos dos edifícios que passaram a ser construídos segundo a nova estética) e os avanços tecnológicos na área gráfica, como a técnica da litografia colorida que teve grande influência nos cartazes. Devido à forte presença do estilo naquele período, este também recebeu o apelido de modern style. O nome surgiu de uma loja parisiense (capital internacional do movimento), chamada justamente Art nouveau e que vendia mobiliário seguindo o estilo.
Carolina Mulet e Souza nº4
Carolina Mulet e Souza nº4
segunda-feira, 8 de junho de 2009
teatro,anfiteatros e circus romanos
O teatro romano é uma construção típica do Império Romano , generalizada por todas as províncias do império, e que tinha a finalidade de servir para a interpretação de peças teatrais do período clássico.
A política de romanização dos povos conquistados fez que se construíssem teatros romanos, assim como anfiteatros, circus, fóruns e templos, com caraterísticas semelhantes ao largo de todo o território conquistado, desde a Hinspânia até o Oriente Médio.
Existem certas semelhanças entre os circos, teatros e anfiteatros da Roma Antiga. Todos eles se construíam com os mesmos materiais: pedras e argamassa romana, e tinham a finalidade de atender ao ócio e diversão dos cidadãos por meio de espetáculos.
postado por Thais n28 5e
A política de romanização dos povos conquistados fez que se construíssem teatros romanos, assim como anfiteatros, circus, fóruns e templos, com caraterísticas semelhantes ao largo de todo o território conquistado, desde a Hinspânia até o Oriente Médio.
Existem certas semelhanças entre os circos, teatros e anfiteatros da Roma Antiga. Todos eles se construíam com os mesmos materiais: pedras e argamassa romana, e tinham a finalidade de atender ao ócio e diversão dos cidadãos por meio de espetáculos.
postado por Thais n28 5e
segunda-feira, 1 de junho de 2009
Música Grega moderna
A musica grega moderna é rica em folclore musical,parte de origem islâmica e parte de origem balcânico-esclava.A musica moderna da Grécia na atualidade é bem mais conhecida por lá e antiga quase não é mais escutada na Grécia.Os instrumentos da músicas gregas atual são bem mais modernos comparada com os instrumentos de antigamente.
Carolina mulet e Souza nº4
domingo, 31 de maio de 2009
Musica Grega Antiga
Os gregos estabeleceram as bases para a cultura musical do Ocidente. A própria palavra música nasceu na Grécia, onde "Mousikê" significava "A Arte das Musas". Percebemos a formação da arte grega na civilização cretense, a partir das ruínas de cidades como Tirinto, Micenas e Cnossos. Essa arte abrangia, ao mesmo tempo, a poesia e a dança, e todas essas expressões eram praticadas de modo integrado. Os poemas eram recitados ao som de acompanhamento musical da Lira, daí o nome "Lírica" para denominar esse gênero poético. Os instrumentos principais eram a cítara, a lira e o aulos (instrumento de sopro).
Como os demais povos antigos, os gregos atribuíam aos deuses sua música, definindo-a como uma criação integral do espírito, um meio de alcançar a perfeição.
O desenvolvimento da música paralelamente ao próprio desenvolvimento das cidades gregas, fez com que surgissem teorias filosóficas que procuravam compreender seu significado e importância. Platão considerava que a música tinha grande poder de influência sobre o homem, por isso deveria estar sob controle do Estado, (cidade), considerado como responsável por garantir o bem social
A música grega se baseava em oito escalas diatônicas descendentes- os modos gregos e se fundamentava na ética e na matemática. Pitágoras estabeleceu proporções numéricas para cada intervalo musical.
Seu sistema musical apoiava-se numa escala elementar de quatro sons - o Tetracorde. O canto prendia-se a uma melodia simples, a Monodia,
Os cultos religiosos eram muito simples, nos quais utilizavam-se melodias-padrão, denominados "Nomoi". Partindo dos Nomoi, a música da Grécia evoluiu para a lírica solista, o canto conjunto e o solo instrumental. Depois, vieram as grandes tragédias inteiramente cantadas, que marcaram o apogeu da civilização helênica (do século VI ao século IV a.C.).
postado por: Laura n°16
Como os demais povos antigos, os gregos atribuíam aos deuses sua música, definindo-a como uma criação integral do espírito, um meio de alcançar a perfeição.
O desenvolvimento da música paralelamente ao próprio desenvolvimento das cidades gregas, fez com que surgissem teorias filosóficas que procuravam compreender seu significado e importância. Platão considerava que a música tinha grande poder de influência sobre o homem, por isso deveria estar sob controle do Estado, (cidade), considerado como responsável por garantir o bem social
A música grega se baseava em oito escalas diatônicas descendentes- os modos gregos e se fundamentava na ética e na matemática. Pitágoras estabeleceu proporções numéricas para cada intervalo musical.
Seu sistema musical apoiava-se numa escala elementar de quatro sons - o Tetracorde. O canto prendia-se a uma melodia simples, a Monodia,
Os cultos religiosos eram muito simples, nos quais utilizavam-se melodias-padrão, denominados "Nomoi". Partindo dos Nomoi, a música da Grécia evoluiu para a lírica solista, o canto conjunto e o solo instrumental. Depois, vieram as grandes tragédias inteiramente cantadas, que marcaram o apogeu da civilização helênica (do século VI ao século IV a.C.).
postado por: Laura n°16
A música na Roma antiga
A MÚSICA NA ROMA ANTIGA
O desenvolvimento cultural na Roma antiga foi fortemente influenciado
pela cultura grega, e com a música não foi diferente.
Podemos identificar algumas formas musicais diferenciadas, a partir do contexto na qual se desenvolveu: nas casas predominou a influencia grega, com a entonação de músicas suaves, onde predominavam os instrumentos de sopro e a lira; desenvolveu-se também um tipo de música ufanista que passou a exaltar a glória militar, baseada nos instrumentos de percussão, com forte influência helenística, e ainda podemos encontrar a musicalidade dos rituais cristãos, ainda considerado subversivo, onde percebemos as origens da monódia cristã, inspiradas na nos salmos de origem hebraica, considerada exemplo de perfeição e equilíbrio, de forte efeito místico.
O fim das perseguições aos cristãos determinada pelo imperador. Constantino e a oficialização do cristianismo, no final do século IV pelo imperador Teodósio possibilitaram maior desenvolvimento da música monódica em importantes cidades do Império Romano, como Roma, Constantinopla, Antióquia e Jerusalém.
Curiosidade: O imperador Nero é retratado ainda hoje acompanhado pela lira, com a qual compôs algumas canções, exaltando seus feitos militaes. Considera-se que foi o criador da "claque", na medida em que se apreesentava para uma corte formada por bajuladores e interesseiros, estimulando sua vaidade.
sábado, 30 de maio de 2009
Teatro grego atual
Após a capitulação de Atenas frente a Esparta, surgiu o teatro atual , que se iniciou no fim do século XIX . Essa última fase da dramaturgia grega exerceu profunda influência nos autores romanos, especialmente em Plauto e Terêncio .Não existem mais as sátiras violentas.O teatro atual é mais realista e procura, utilizando uma linguagem bem comportada , estudar as emoções do ser humano.
Carolina Cruz nº3
Teatro romano atual
A partir do século XVIII, acontecimentos como as Revoluções Francesa e Industrial, mudaram a estrutura de muitas peças, popularizando-as através de formas como o melodrama. Nessa época, em todo o mundo, surgiram inovações estruturais, como o elevador hidráulico, a iluminação a gás e elétrica (1881). Os cenários e os figurinos começaram a ser melhor elaborados, visando transmitir maior realismo, e as sessões teatrais passaram a comportar somente uma peça. Diante de tal evolução e complexidade estrutural, foi inevitável o surgimento da figura do diretor.
Carolina Cruz nº3
Carolina Cruz nº3
artistas pop contemporâneos (Italianos/Roma)
Vasco Rossi:
Nasceu na província de Módena numa família de origens humildes. Desde criança foi inscrito em escolas de música, e já em 1966 entra em seu primeira banda, conhecida inicialmente como Killer, e depois alterada para Little Boys. Logo se mudou para Bolonha, onde se formou em Contabilidade e ingressou na faculdade de Economia e Comércio, até mudar de idéia e transferir-se para Pedagogia. Enquanto isso, para manter-se durante os estudos, inaugura uma discoteca na qual se apresenta como DJ e funda com alguns amigos a Punto Radio, uma das primeiras rádios livres italianas, na qual faz alguns programas.
Laura Pausini:
(Faenza 16 de maio de 1974) é uma cantora de música pop/rock italiana. Obteve projeção mundial após ter vencido o Festival de San Remo em 1993, com a música "
Laura Pausini é popular em diversos países, especialmente na Espanha, França e Portugal, além de outros paises da Europa e da América Latina também. Laura já gravou em italiano, espanhol, português, francês e inglês. Laura Pausini além de cantar, compõe e produz arranjos para as suas músicas.
Em 2006, Laura venceu 2 Latin Grammy Awards na categoria "Melhor álbum pop latino", e na categoria "melhor vocal pop feminina" com o álbum "Escucha". Em 2007, novamente venceu o "Latin Grammy Awards", na categoria melhor "vocal pop feminina" com o álbum em espanhol "Yo canto" e o World Grammy Awards com álbum italiano "Io canto" pela canção "Io canto" na categoria "melhor canção do ano" e diversos prêmios pela Europa entre eles, 5 "Telegatti" (principal premiação da música na Itália) pelo mesmo álbum.
Atualmente está em trabalho de divulgação de seu novo disco, Primavera in anticipo/Primavera anticipada, que traz um dueto com o cantor inglês James Blunt nas canções Primavera in anticipo/Primavera anticipada.
A sua turnê de shows, que se inicia a partir de Março de 2009, começa pela Itália e passa por várias cidades européias, Canadá, México, América do Sul, Austrália, fechando-a novamente na Europa.
Carolina Cruz nº3
Cantores da atualidade grego
Vangelis:
Evángelos Odysséas Papathanassíu, em grego Ευάγγελος Οδυσσέας Παπαθανασίου, e mais conhecido como Vangelis (Βαγγέλης) (Vólos, 29 de Março de 1943) é um músico grego de renome internacional nos estilos neo classico, progressivo, música eletrônica e ambiente. Suas composições mais conhecidas são o tema vencedor do Oscar de 1981, com o filme Carruagens de Fogo, a trilha sonora do clássico Blade Runner, e mais recentemente, do filme biográfico de Cristóvão Colombo, “1492 - A Conquista do Paraíso”, com a música instrumental “Conquest of Paradise”. Entre suas composições, há o tema da Copa do Mundo de 2002.
Elpida Karayianopoulou
É uma cantora grega que participou duas vezes no Festival Eurovisão da Canção. Ela representou a Grécia no Festival Eurovisão da Canção 1979 com a canção Sokratis (sobre o filósofo grego Sócrates, considerado na letra como uma super-estrela e que terminou num honroso 8º lugar). Voltou ao Festival Eurovisão da Canção , em 1986, agora representando Chipre, com a canção 'Tora Zo', contudo não foi feliz terminando no 20º e último lugar do concurso.O seu nome Elpida significa Esperança
Cantores italianos da atualidade
Luciano Pavorotti:
Foi um cantor (tenor lírico) italiano, grande intérprete das obras de Donizetti, Puccini e Verdi, dentre outros em seu grande repertório. É reconhecido como o tenor que popularizou mundialmente a ópera.Pavarotti participou, com os tenores espanhóis José Carreras e Plácido Domingo, dos famosos concertos "Os três tenores", e gravou duetos com James Brown, Frank Sinatra, Zucchero, Ricky Martin, Laura Pausini, Spice Girls, Bryan Adams, Andrea Bocelli, Mariah Carey, Queen, Céline Dion, Eros Ramazzotti, Jon Bon Jovi, The Corrs, U2, Roberto Carlos, entre outros, especialmente para causas beneficentes, nas quais se envolveu bastante. É considerado um dos mais importantes tenores de todos os tempos. Cantou nos mais importantes teatros mundiais, como o Teatro alla Scala (Milão), a Royal Opera House (Covent Garden, Londres), o Metropolitan Opera House (Nova Iorque), dentre outros.
Andrea Boceli
Laura Trimer nº 16
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